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当代名家写意画欣赏<一>
写意画是传统中国画里令人赏心悦目的画种，它以淋漓的水墨，纵横的笔法、弥满的气势，使观者赞声鼎沸叹为奇观，并拥有广泛众多的欣赏者。通过画的立意叩动欣赏者的情意，产生回味不尽的画意是成败的关键。写意画有画无意，或叫人不解其意，莫名其妙，都处不上名副其实的写意画。
写意画讲究意，所以我们欣赏写意画也得捕捉画中的意，在回味不尽的意趣中得到艺术的享受，陶冶自己的性情。怎样更好的去理解意，最好的途径是从熟悉绘画技能入手，中国写意画往往是通过相当具体的绘画手段来塑造确立的。欣赏中国绘画创作应当按照南齐的谢赫的六条标准"即六法"，它们分别是：1、气韵生动；2、骨法用笔；3、应物象形；4、随类赋彩；5、经营位置；6、传移摸写。这里对六法的解释为：气韵生动：指创作上主题明确，表现真实，形象生动。骨法用笔：指描绘形象上的笔致与线条。应物象形：指选择题材的合度，观察与描绘对象要深刻细致与正确。随类赋彩：根据不同的描绘对象，准确而必要的著色。经营位置：指题材上的取舍与组织，画面的构思与安排。传移摸写：指接受前人的传统。
当然，欣赏是带着时代的眼光的，人们的欣赏情趣也有着时代性，在绘画的表现方法上不同、欣赏者也会提出不同的欣赏要求，画家本身欣赏画的时候一般偏重技巧，而欣赏者是为了丰富精神生活，陶冶情操，那么欣赏就偏重于画的内容及感染力，不管是从哪一点出发欣赏画，都需要久看细看，用一种研究的眼光来看，才能看出它的奥妙，达到欣赏的目的。有欣赏经验的人都知道，有的画初看印象不错，还想再看，但看了几次之后却会觉的这幅画没有什么意思，也有的画初看似乎平淡，但看了几次之后，你就会发现它有丰富的内在美。
中国名家墨竹欣赏
立意 当你看画的时候，首先打动你的是它的立意是否生动，第一印象很关键，如感觉好才使你仔细的看下去，深入地研究下去，如果一幅画给你的印象是呆板的，它怎么能吸引你呢？立意生动是一幅画给人的一种综合感觉，以欣赏的角度来看，我们所以能被一张画所感染，是因为它的内在美，而这种内在美是通过形式的美表现出来的。
古人说作画必先立意，所谓立意就是画的主题。画家在作画之前应把意放在笔先，通过绘画来表达他对生活的看法，把自然景色和个人的感情结合在一起。如画梅就要把梅花迎风斗雪和耐寒的品格画出来，画菊要有傲霜的精神，画竹要亭亭玉立，虚心有节，蒸蒸日上。立意的生动是中国画内在美的流露，这里即有画家的主观因素，又有欣赏者的主观因素，所谓画家的主观因素就是画家对所描绘的客观自然景象的观察、感受、体验，并把感情移入其中。所谓欣赏者的主观因素，就是欣赏者在看画时所产生的想象和联想。因为欣赏者看画的角度不一样，以及欣赏者本人的文化修养素质的高下都决定着欣赏水平的高低。如当代画家李苦禅画的墨荷，水墨淋漓，洒脱奔放，开创了中国近代大写意的一代画风，看上去好像画家在横涂竖抹。有的欣赏者认为荷叶画的太离形，不符合自然生态的本相。把叶子改成用绿色就更好，从这一点充分说明了欣赏者的文化品位，我感觉一块水黑淋漓的石头，在有的人眼中可能是无情物，可是在特定的空间和时间里它却常常显现出一种特定的性格。
当代名家写意画欣赏<二>
【形与神】 形与神一直是中国画创作和欣赏所重视的问题，欣赏中国的写意画用自然景物作为标尺，是不全面的，追求表现对象的形体准确、逼真，并非写意水墨画的主要使命，写意画贵在得意，它不但写出对象的外形，更要写出对象的神情，同时也强烈地包涵着画家自身抒发的意境和意趣。只求形似，不是艺术。如动物和植物的标本挂图，可以画的非常准确，但没有人把它们挂起来欣赏。我们在欣赏中国写意画的时候经常看到画面的景物变形。这也是写意画通常运用的手段，变形犹如文学上的夸张手法如李白的诗句"飞流直下三千尺"，或平时人们激动时常说的心要"跳出来"了一样，它强烈、新奇但依然是自然而近情理。
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【构图】 写意画的构图，通常要随手拈来而清新不俗。看一幅画的好坏应掌握两个主要方面的内容：①虚实：中国画里虚实关系可以说无所不在，贯穿在一种艺术的始终，没有虚实的辩证统一艺术就失去了节奏，失去了变化，失去了发展。宾主、疏密、轻重、大小、纵横、开合等等绘画法则，都是从虚实出发，根据虚实的要领进行构图处理的。以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚，虚实结合才产生无穷的变化来，有景为实、无景为虚，这是指画面上的虚实；有景、有情，有意化为虚，化虚为实，这是指创作者的构思与欣赏者的联想。②奇特：构图的不平凡总是发源于画家不平凡的构思。齐白石晚年曾画过一幅《荷花影》：一株斜出的荷花在水面上映出它的倒影，一群小蝌蚪正集队围绕着新奇的花影亲昵地追逐着，荷花映在水面的影子，它不是跟实物呈顺向的，肉眼从水面上侧视可以见到这花影，而水下的蝌蚪决无察感到这是花影。可见艺术离不开奇思妙想，离不开艺术天地里特有的真实性。
当代名家写意画欣赏＜三＞
【笔墨】 笔墨是中国写意画的主要特征，标志着它的高度艺术成就，这种独特的表现技巧和民族风格，是由中国画有一套完整的笔墨工具所形成的。笔墨对于表现描绘对象，加强画面的生动性和感染力，有特别重要的作用，一幅画里笔和墨如同骨肉，不可分离，欣赏一幅画用墨水平高下，要看用墨是否灵活，还是呆板，用墨没有干湿、浓淡的变化，乱成一片，没有光彩叫做融会贯通墨，相反用墨灵活，变化多端，叫做活墨。古人有书画同源之说，有好的用笔，才有好的线条。笔法奇诡多变，得心应手，是制作者的一大机关，也是我们欣赏者品评的一大标准。笔墨是相通的，墨色在中国绘画里似乎能替代一切原色，比如梅兰竹菊多用墨色画线，谁也没有因为它违背了生物固有的荷叶、花苞、芦草、游鱼结合在一个画幅里，它依然能给人以清新、丰满的艺术感受，墨色是丰富的有变化的。墨经过调水可成为浓淡干湿焦五彩，齐白石是写意画大家，他对水墨的运用一丝不苟，精意刻划，他笔下的《虾》掌握水墨纸的性能都到了化境，分辨出它那裹身薄薄的外壳，它那剔透似玉的肉质，它那轻盈跳跃的动态，引诱读者要捕捉到手上来看个究竟，但似乎又畏慑于它那猛利的双钳而缩转双手，这出神入化的水墨表现令人痴醉。 成功写意画家的用墨使欣赏者懂得，一张水墨画的高下不但要看画家抖擞的气魄，更要看他透过随意的精心刻划而表现出的胆力和闪烁的魂灵。
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【诗与画】 诗和画有姊妹艺术之称，看了一幅画就像读了一首诗。有的人在欣赏绘画时常有这种感觉，这是被那幅画的诗意，或者说诗的意境所打动了。所谓"诗中有画，画中有诗"，是提倡诗和画都要追求一种美妙的意境，一幅成功之作，它给人的不只有景而且有情，有情与景的交融，这就是所谓一片自然风景是一个心灵的境界。 作为情与景的交融，诗和画都有着同样的要求。"远上寒山石经斜，白云生处有人家，停车坐爱枫林晚，霜叶红于二月花"。这是诗，但读起诗好像又似一幅画。一幅成功的画，可把观者带到诗的境界中去，一幅出色的中国写意画，配以书法、诗文、印章，就能蕴蓄深厚博大的意境。 中国写意画本身就是多方面艺术修养渗透、补充而成的综合艺术，因而从欣赏的角度应具备以上诸方面的体验，这样才能真正获得艺术的欣赏力，从中得到其艺术享受。
当代名家写意画欣赏<四>
画上题款，是自北宋的文人画，唐宋以前的画一般无款。有时仅写个名字在石罅（音下）或树根间等不起眼的地方，称之为藏款，随着文人画的兴起和发展，如文与可、苏东坡、米元章等开始以书法在画上长题，或诗或文，而后乃为盛行。清方薰《山静居画论》说：“题款图画，始自苏米，至元明遂多，以题语位置画境者，画亦因题而益秒。”到了清代石涛、扬州八怪更被称为诗、书、画三绝的画家。几乎每画必题，每题必诗。或一题再题，情景交融，出神入化，诗画相成，皆成佳构。故前人有：三分画七分题之说，可见题画之为人所重视。言其志，也就是“托物言志”。画是无声诗，诗是无声画。一件高超的艺术品，应求师、书、画于完美的综合，开拓意境，丰富情趣，俾读者回味无穷。
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明徐渭是继承发展文人画、将诗书画融为一体的优秀代表之一。他是个失意文人，一腔怨愤多借笔墨倾诉牢骚，其写意《葡萄图》那纵横狂放的藤条，那倾落纸上的颗颗圆珠以及他的题画是“半生落魄已成翁，独立书斋笑晚风。笔地明珠无出卖，闲抛闲置野藤中。”通过诗和画，他那失意落魄而又狂放不羁的性格，跃然纸上。清边寿民《篱菊图》写篱边残菊数枝，凌乱错落，题云“故园三径吐幽情，一夜轻霜堕碧空。多少天涯未贵客，借人篱落看秋风。”兴思发慨，借物抒情，将一片天涯漂泊、失恋依人之情，尽情地流露于笔墨之间。郑板桥在他的《墨竹图》上题诗“衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声。些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情。”充分表达画家关心百姓疾苦之情。 到了近代、现代，国画经过众多大师的努力，更臻完美。潘天寿在一幅《梅月图》上吟成：“气结殷周雪，天成铁石身。万花皆寂寞，独俏一枝春。”我们在画上见到的不仅是那笔墨雄浑、老辣精纯的绘画功力，而是通过题画诗看见了那“一花素裹傲霜斗雪绝无媚骨”的梅花的凛然正气，也真实地再现了潘天寿高风劲骨坚贞不阿的内在精神。
国画诗与画的有机结合，可以充分发挥画外余蕴，不画中补足之意，使诗以画而富生动形象，画以诗而更耐人寻味。取得对比与统一、补充与和谐的艺术效果，从而相应成辉，相得益彰。纵观历代大家名作，无不融诗画于一炉而流芳千秋，为独具风格之中国画的成就作出了光辉的贡献。作为当今时代的书画工作者，更有责任在继承发扬传统的基础上，去开拓诗画的新天地，使民族绘画的特色更为丰富和全面。
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