2021年7月，拉蒂法·埃哈赫于工作室，照片由巴塞尔艺术展摄影师Mitchell Anderson拍摄 在瑞士西南部的马蒂尼镇，拉蒂法·埃哈赫（Latifa Echakhch）的工作室位于阿尔卑斯山脉中部和罗讷河山谷山坡的交界处，同时也位于地理和历史的交界处。对于这位摩洛哥裔法国艺术家来说，这也是一种极具创意与个人的环境。今年夏天，从这间陪伴了她十年的工作室的窗户向外望，高耸的青山，点缀着农舍和谷仓尽收眼底。埃哈赫的作品通过揶揄和对美学的拓展、通过过程和诗意史学来研究相互冲突的感受和历史过往，因而工作室所处对比鲜明的位置，让她的艺术实践变得更加理所当然。用她自己的话来说，她是那种既能创作大型装置作品，又能创作小型作品的艺术家。她说：“我有不同的创作能力。”在她过去20多年的职业生涯里，她的大型装置作品以及她不断变化的绘画和雕塑实践经常出现在世界各地的著名机构、双年展和艺廊展览中。 2021年7月，拉蒂法·埃哈赫于马蒂尼镇的工作室，照片由巴塞尔艺术展摄影师Mitchell Anderson拍摄她的工作室目前挂满了毛毯大小的画布，作品处于不同的创作阶段，这些作品延续了过去几年以衰退的壁画为灵感的创作主题。《Cross Fade》采用了将整个房间绘满天空云朵的壁画形式，其余大部分的图像都被切割成厚厚的薄片，像碎石一样堆积在地板上。观众可以把它看作是天塌下来一般，或者是对已经逝去、且美的瞬间的回忆。为作品留出一半的想象空间是埃哈赫的常用艺术实践。2017年，第15届伊斯坦布尔双年展（Istanbul Biennial）上，她创作的图像从墙上延续至观众的脚下，描绘了一群行进、戴着面具的人物在抗议中，以及迭戈·里维拉（Diego Rivera）的社会意识形态。 拉蒂法·埃哈赫的作品《La dépossession》在2019年巴塞尔艺术展香港展会“艺聚空间”展出 艺术家如今正在用单一金色的壁画于大理石纹理上进行创作，以进一步探索全新的创作方式，然后将作品切割，组合成与绘画和建筑相关的形式。墙作为一个图标，它保持着静止的状态直到瓦解。工作室的地板仿佛是她的装置作品一部分，地上散落着之前作品的碎石。当她用双手整理这些碎片时，除了金色的碎片以外，你会看到此前作品中天空的碎片、人类和丛林。留存在画布上的图形仿佛是地图上标记的远古时代遗址一般，被观众和艺术家牢牢记住。埃哈赫在我们试图理解这个世界的过程中，所发现的东西如同她所谈论的一样多。“我的能力是在社会中感知周围的世界，我的艺术实践和工作将这种感知转化为物品和装置，让人们可以感同身受。”埃哈赫说道。《Tambour 17'》（2012），拉蒂法·埃哈赫，图片由艺术家和卡迈勒·梅隆赫画廊提供 艺术家所指的感情可以是永恒的，也可以是当下的；这些是埃哈赫在策展与市场中所创造的成功。过去十年，她研究的主题不仅出现在艺术头条新闻中，也包括最古老的诗歌和哲学巨著中：力量、脆弱和抽象符号的力量。在她知名的系列作品“Tambours”中，印度墨水慢慢滴在与人一样高的画布上，慢慢向四周晕染开来，形成如同眼睛中央的虹膜。作品系列的名字来自于创作中的共鸣—在创作过程中，画布的表面如同手鼓一般—这些作品既是对时间和空间的沉思，也是对文艺复兴具象绘画的参考。那个时代，在教堂的监督与赞助下工作的艺术家们，用圆形画布描绘了一个想象中的天堂世界，而埃哈赫的作品系列却呈现了一个黑洞。她的作品中心形态可能比天使和云朵更接近真正的灵性，就像它更接近深层的空虚一样，而这也与它作品的表象恰恰完全相反。2020年，拉蒂法·埃哈赫于锡根当代艺术博物馆展览现场图，图片由艺术家提供 这些作品同时捕捉到时间，或者说是时机，这在她的整个创作过程中都是一致的。对于壁画来说，它像是静止状态下的熵，而每一个“Tambour”的命名中所附带的数字表明了作品创作所花费的时间。此外，其他系列的大型装置作品参考了剧院的装置和帷幕，讲述了事件的发生前与后。2014年，在巴黎卡迈勒·梅隆赫画廊（kamel mennour），一张巨大的画布从空间拖曳至地板上，依旧是一片蓝色的天空和画布上散落的云朵。去年，在锡根当代艺术博物馆（Museum für Gegenwartskunst Siegen），一系列云状的剪纸作品《Encrage (L’appareil photo Kodak)》悬挂并延伸直地板，仿佛形成了一条通道，观众们就在一场没有演员或观众的舞台后方。在我们所看到的每一件事中，埃哈赫都通过情感与此刻的瞬间创造了一个全新场景。让人相信这个时刻将带给我们的是个人的、开放的体验，并最终走向情感深处。 《Sans Titre (Le Jardin Exotique)》（2019），拉蒂法·埃哈赫，作品于2019巴塞尔艺术展巴塞尔展会由Kaufmann Repetto呈现埃哈赫将在明年的威尼斯双年展（Venice Biennale）上代表瑞士参展，这也是她职业生涯中最重要、压力最大的一个项目。她选择将创作重心放在过去20年引导她的相同主题上：感知和体验的瞬间。在她的雄心壮志中，希望这是一个可以“同时应对世界上所有快乐和悲伤”的项目。为了做到这一点，她决定开启一个全新的领域：声音和音乐。埃哈赫提到，虽然她的作品和装置作品曾多次用到乐器和表演的概念，但这是第一次直接运用到声音。因为她想试图让走出展馆的观众，有一种离开“音乐会”的假想体验。“这意味着观者的心跳会不断改变，时而平静，时而强烈，很多不同的记忆碎片会在全新的体验中进行重组。”埃哈赫说。和所有威尼斯双年展项目一样，作品细节将于明年春天公布。这件作品不仅可能成为双年展的核心创作，也是埃哈赫艺术实践中悖论性质的绝佳体现。 《Cannot remember what was the first image, and close eyes again to recover.》（2014），拉蒂法·埃哈赫，作品于2017巴塞尔艺术展迈阿密海滩展会由卡迈勒·梅隆赫画廊呈现埃哈赫对声音的首次创作或许会让观众体会到作品中所牵引的问题，因为她将属于自己的语言转变成“对声音和音乐的思考、一种创作手法、对时间的探索、和在声音与音乐中对这个世界的感知”。正如她此前所创作的一样，或许最惊喜的是她将见证我们看待和感知世界的方式，因为虽然埃哈赫对音乐的研究将成为作品的重点，但作品却悄然无声。拉蒂法·埃哈赫由特拉维夫Dvir Gallery；布鲁塞尔、巴黎和伦敦的卡迈勒·梅隆赫画廊；纽约、日内瓦、香港、伦敦、Palo Alto和首尔的佩斯画廊以及米兰和纽约的kaufmann repetto代理。
